CABLES BLINDADOS : R'n'R, Blues & Jazz Guitar

Ed Bickert

2009-12-10T09:31:00.000-08:00

JAZZ EN TELECASTER

Releyendo hace unos días un viejo ejemplar de la revista "Guitar
Player" - un número especial dedicado a la guitarra Fender Telecas-
ter - descubrí el nombre de Ed Bickert, mencionado al pasar como un
intérprete "cerebral" de jazz en el instrumento.

Convengamos en que el jazz - "cerebral" o no - no suele ser el género musical más asociado con el noble invento primigenio de don Leo
Fender, por lo cual decidí investigar un poco acerca de este individuo, Bickert.
He aquí un ejemplo de lo que descubrí:

Más acerca de Ed Bickert en:

http://en.wikipedia.org/wiki/Ed_Bickert

Les Paul (1915 - 2009)

2009-08-13T12:55:00.000-07:00

Gracias.

Matt "Guitar" Murphy

2009-07-15T06:28:00.000-07:00

¿Un héroe olvidado?

Lo conocimos a través de la película "The Blues Brothers", que además de ser un notable vehículo para el lucimiento de Dan Akroyd y el gran John Belushi fue una vidriera para extraordinarias figuras de la música negra norteamericana: por ahí anduvieron Ray Charles, James Brown y Aretha Franklin - nada menos - junto a otros grandes quizás menos conocidos como Steve Cropper y Donald "Duck" Dunn, (de los MG'S de Booker-T, la gran banda del soul de Memphis.) Matt "Guitar" Murphy, además de interpretar al "marido" de Aretha en esta película - y en la secuela "Blues Brothers 2000" - tuvo, sin embargo, muy poco lucimiento como guitarrista, a tal punto que durante años me pregunté si su apodo estaría realmente justificado (era imposible en aquellos años acceder a ningún tipo de material discográfico de esa índole en Montevideo). Una vez más, fue Internet la que me permitió conocer y apreciar el calibre de Matt Murphy como guitarrista, tal como lo demuestra el video que aparece debajo de estas líneas:

A mi juicio, la interpretación de un joven Matt en este video de comienzos de los 60' (donde también aparece el gran compositor de blues Willie Dixon al contrabajo) está a la altura de los grandes guitarristas de blues de la época - los tres King, T-Bone Walker, Buddy Guy, Otis Rush et al. Algunos comentarios de la página de YouTube donde está el video mencionan repetidamente a B.B. King como referente; por mi parte, yo me sorprendí al percibir en el "toque" de Matt algunos fraseos característicos de Charlie Christian - rapidísimos arpegios y frases descendentes más propias del jazz que del blues.

¿Por qué la figura de Matt "Guitar" Murphy no ha obtenido mayor destaque dentro del mundillo de la guitarra de blues? Desconozco el motivo: tal vez el propio Matt prefirió mantener un perfil más bajo que el de otros contemporáneos suyos. Dada su capacidad y su evidente talento, me ha parecido importante reivindicar - siquiera a través de este humilde espacio - a este héroe injustamente olvidado del blues.

Blues: entre el barro del Mississippi y la electricidad de Chicago

2009-02-10T04:07:00.000-08:00

Cuando los bluesmen del sur de los EE.UU. comenzaron a emigrar a las ciudades industrializadas del norte hacia 1940, en busca de mejores oportunidades de vida, pocos habrían imaginado las consecuencias que este movimiento social tendría para la música contemporánea. Para los rústicos agricultores negros la vida urbana debe haber resultado apabullante y ruidosa de una forma que hoy nos costaría entender, en nuestros tiempos de globalización (igualmente apabullante y ruidosa). Los bluesmen llevaban consigo sus guitarras acústicas y en el bullicio de Chicago o Detroit no debía ser fácli para ellos hacerse escuchar. Pero pronto descubrieron un nuevo y poderoso aliado en la electricidad y en los recientes "amplificadores para guitarra". Por aquella época, Charlie Christian y T-Bone Walker, sin duda dos de los guitarristas más refinados e influyentes de todos los tiempos, ya habían comenzado a desarrollar un nuevo lenguaje para el instrumento, inspirado sobre todo en los fraseos de los saxofonistas y/o trompetistas de jazz. Otros músicos no estaban tan dotados como ellos, así que sencillamente optaron por trasladar su elemental estilo a la guitarra eléctrica. El resultado fue una música como jamás antes el mundo había escuchado: áspera, rechinante, probablemente la primera muestra de lo que luego se llamaría "música industrial". Pero al mismo tiempo, el blues del Mississippi, ahora amplificado y rugiente, transmitía una simplicidad y una honestidad brutal, sin el refinamiento de los intérpretes más hábiles, más "técnicos". De esos bluesmen de esilo crudo y elemental, armados ahora con guitarras eléctricas, quizás el más crudo y directo de todos haya sido Theodore Roosevelt Taylor, conocido como "Hound Dog".

HOUND DOG TAYLOR - LIVE PERFORMANCE:

Es famosa la historia de cómo un por entonces joven aficionado al blues llamado Bruce Iglauer había intentado infructuosamente que algún sello discográfico "importante" grabara y editara la música de Hound Dog Taylor y sus Houserockers. Finalmente, dada la inutilidad de sus esfuerzos, Iglauer decidió hacerse cargo él mismo de la tarea y fundó así Alligator Records, hoy día el sello discográfico dedicado al blues más importante del mundo. Todo por la fascinación que la música de H.D. ejerció sobre él.

No es para menos. En este clip - que lamentablemente carece de toda informacción adicional - vemos a Hound Dog y su banda (Brewer Phillips en la segunda guitarra y Ted Harvey en la batería) literalmente "sacudiendo la casa" ("rockin' the house"). Probablemente, algunos se sorprendan al darse cuenta que la interpretación de blues rabioso sin bajo no fue un invento de Jon Spencer o de los White Stripes. Más sorprendente aún es comprobar el manejo del "slide" que mostraba Hound Dog - "slide" que sostenía entre el meñique y su famoso "sexto dedo", una malformación de su mano izquierda por la que se haría conocido. No sabemos si este "dedo" adicional tuvo realmente algo que ver con su estilo (a la manera de lo que le sucedió a Django Reinhardt por razones opuestas: con dos dedos de su mano izquierda inutilizados, se vio forzado a emplear únicamente los dos restantes, sin contar el pulgar.) Sorprende también la energía que transmite este trío de sonido tan despojado, muy lejos del estilo "llorón" (dicho sea sin ninguna connotación despectiva) de muchos bluesmen del Mississippi. Los músicos negros norteamericanos comenzaban a desarrollar su propia "voz eléctrica", una voz que al otro lado del Atlántico, en la brumosa y olvidada Inglaterra encontraría un eco inesperado que cambiaría una vez más el rumbo de la música.

CLARENCE "GATEMOUTH" BROWN - LIVE FROM AUSTIN, TEXAS:

Por su parte, el sheriff Clarence "Gatemouth" Brown detestaba que lo catalogaran como un "bluesman", a pesar de ser uno de los músicos mejor dotados del género. Pero Brown consideraba, con razón, que su música cubría una gama de estilos que iba mucho más allá del blues; teniendo a éste como un elemento más dentro de lo que hacía, junto al jazz y la música "cajun" de Louisiana (Brown era además un sólido intérprete de violín y un notable "songwriter"). En este clip se aprecia su particular estilo "fingerpicking", es decir, la guitarra eléctrica tocada con los dedos, sin púa. Brown debe haber dejado más de una vez la piel, cuando no sus uñas, al "atacar" al instrumento de esta forma.

En una entrevista publicada en "Guitar Player" en 1994, Brown se mostraba como un individuo a veces brusco, pero de una rectitud y sinceridad a toda prueba, con convicciones firmes acerca de la música y de la vida - convicciones muy alejadas del estereotipo del bluesman habitual.

Dos valiosos ejemplos de "bluesemen" (con perdón de Mr. Brown), cada uno con su estilo particular - y quizás opuestos - que indudablemente vale la pena conocer.

Diseños insuperables (I)

2008-12-30T10:32:00.000-08:00

FENDER TELECASTER y GIBSON LES PAUL

Todo empezó con el "feedback", o como decimos en el Río de la Plata, el "acople".

Al incorporarle los "pickups" - los micrófonos - los grandes "guitarrones" de jazz que fabricaban Gibson, Epiphone, Guild y algunos otros en la década de 1940, generaban inevitablemente el molesto "feedback". Esto es, el sonido emitido por el parlante del amplificador era captado nuevamente por los pickups, reamplificado, emitido nuevamente y vuelto a captar y así sucesivamente. O sea, las guitarras "acoplaban".

El problema se generaba por las vibraciones que producía la caja de resonancia de aquellas mastodónicas guitarras como la LC5 o la Super 400. Prescindir, sin embargo de las cajas de las guitarras, parecía una solución demasiado radical, como lo comprobó personalmente un guitarrista llamado Lester Polfuss, que entre otros alias utilizaba el nombre artístico de Les Paul.

La historia del invento de Les Paul, conocido como "the log" ("el tronco" o "el leño") es famosa: Les tomó un "durmiente" de una vía férrea - uno de los bloques de madera en los que se apoyan los rieles - y le incorporó el brazo de una guitarra, además de un par de "pickups" de fabricación casera. Encordando debidamente aquel engendro, obtuvo una rudimentaria guitarra eléctrica de cuerpo sólido, que según dijo más tarde, "tenía el sonido más maravilloso que jamás había escuchado".

El público del club en el que Lester solía actuar no compartió su opinión cuando el guitarrista se presentó por primera vez con su estrafalario instrumento. Disgustado, Les intentó un experimento: tomó la caja de una guitarra, la cortó verticalmente a la mitad y unió las dos partes a los costados del "tronco", que obtuvo así una burda apariencia de guitarra. Les Paul volvió al club, ahora con su instrumento "disfrazado". Muchos años más tarde, contaría en "Guitar Player": "Toqué casi para el mismo público exactamente los mismos temas; y esta vez fue un delirio. Esto me convenció de que la gente escucha con los ojos".

Otro guitarrista llamado Merle Travis había encargado un instrumento igual de extravagante a Paul Bigsby que era... un mecánico de motocicletas. Travis ha contado que dibujó un boceto de lo que quería en una servilleta, mientras conversaba con Bigsby en un bar. "Puedo construirlo", afirmó Bigsby, y efectivamente, poco después Merle Travis contaba con una guitarra de cuerpo enteramente sólido para su uso personal. Una innovación interesante en esta guitarra era que por primera vez presentaba un clavijero alineado en un lado de la pala, formato conocido como "seis en línea", que luego utilizarían innumerables fabricantes (parece que esto también se realizó a pedido expreso de Travis, a quien fastidiaba tener que "torcer la mano" para afinar las cuerdas más agudas en un clavijero de disposición tradicional).

Tanto el "tronco" de Les Paul como la Bigsby de Merle Travis fueron instrumentos creados a pedido. Nadie creía que algo así podría llegar a captar el interés masivo de los músicos. Pero un tal Clarence Leo Fender, un aficionado a la electrónica que tenía un taller de reparación de radios en California, decidió probar a fabricar "en serie", al mejor estilo de la Ford y sus modelos "T", una guitarra de cuerpo sólido. Después de ciertas querellas legales, el "producto" salió a la calle con el nombre de "Telecaster".

Difícilmente vuelva a encontrarse tal combinación de sencillez y calidad en un modelo de guitarra eléctrica. Cierto, la Telecaster pareció opacada en su momento por su "versión mejorada" - la Stratocaster - pero el modelo se mantuvo tozudamente hasta nuestros días. Hay algo indefiniblemente personal en una Telecaster, incluso en su aparente "tosquedad", comparada con la más elegante y refinada Strato. Por no hablar del célebre "twang" característico de su sonido, que hizo que los músicos de country & western y luego los de r'n'r (pasando por bluesmen como Muddy Waters) la adoptaran como una de sus armas de combate favoritas.

Entretanto, en Michigan, los capitostes de la Gibson observaban consternados cómo el invento de Fender ascendía en popularidad. Gibson había despreciado la idea de fabricar guitarras de cuerpo sólido - una idea que les había propuesto el mismo Les Paul ante el "éxito" de su "tronco"- considerándola un retroceso absoluto en el refinado arte de hacer guitarras que la empresa venía practicando desde fines del siglo XIX. Pero la realidad se impuso, y el número uno de Gibson, Ted McCarthy, tomó a su cargo la tarea de diseñar un instrumento que pudiera hacerle sombra a la victoriosa Telecaster.

Desde luego, era impensable "copiar" lo que había hecho Fender, en parte, evidentemente, por razones legales, pero sobre todo porque las ideas estéticas de Gibson diferían radicalmente a las de su competidor. Fender se había preocupado muy poco por los aspectos "ornamentales" de su guitarra, entregando un instrumento para uso práctico y de bajo costo, cometiendo incluso la "herejía" de utilizar un brazo atornillado al cuerpo (una de las ideas más revolucionarias que podrían habérsele ocurrido). Gibson se propuso conservar el aspecto "clasico" de su instrumento, así como el procedimiento de encolar los brazos como en las guitarras tradicionales. Además, con el objetivo declarado de complicarle la vida a cualquier posible "copista", hizo su guitarra de cuerpo sólido con la apariencia de una guitarra de tapa arqueada. Dado que el nuevo instrumento necesitaba un artista de éxito como "representante" (lo que hoy se conoce como "endorser") Gibson ofreció la nueva guitarra a Les Paul (quien después diría que el instrumento era idea enteramente suya, generando un debate que se mantiene hasta hoy).

Con el posterior agregado de los micrófonos "de doble bobina" o "humbuckers" (inventados por Seth Lover), la Gibson Les Paul se convertiría en la voz del "blues-rock" más aguerrido sobre todo en las manos de los británicos Erica Clapton y Peter Green en los primeros años de 1960. Luego, naturalmente, llegaría el sonido "heavy" de Led Zeppelin de la mano de Jimmy Page y su Les Paul. La tradicional compañía Gibson, dedicada a las guitarras refinadas para músicos de jazz, debe haber quedado desconcertada, si bien complacida por las ventas, al ver que su nombre aparecía ahora asociado al sonido del rock más turbulento y distorsionado de aquella época.

(Continuará)

John Mayer

2008-11-18T05:41:00.000-08:00

¿El tipo no inventó nada nuevo? Es posible, pero el hecho de mezclar ingredientes ya conocidos en una fórmula si no "nueva" por lo menos "distinta"; y obtener con ello una mezcla poderosa y atractiva no es de desdeñar. ¿Hay guitarristas que tocan más o mejor que él? Ciertamente. ¿Se parece demasiado a SRV, a Jimi o a Eric? En realidad, se parece a "todos" ellos al mismo tiempo. No "descubrí" a John Mayer, literalmente me tropecé con él por pura casualidad; y en una librería, nada menos.

Cuando pregunté qué era lo que estaba "sonando" en ése momento en el local, uno de los empleados amablemente me mostró el CD "Where the Light is - J.M. Live in L.A." No me resolví a comprarlo en ése momento (en esa librería también venden CD's, aclaro) ya que decidí realizar un poco más de trabajo de investigación.

Había oído o leído por algún lado el nombre de John Mayer, pero no le había prestado atención. Fue el oír su música de manera tan fortuita lo que me impulsó a seguir su rastro, más allá del despliegue mediático que parece haberse generado en torno a su persona (admitamos que el tipo es un "carilindo", cosa que para la música puede significar poco o nada, pero que cuando aparece junto al talento es el deleite de los encargados de "marketing")

Lo que escuché en esos breves segundos fue una guitarra rasgueada con cierto toque - me pareció - a lo Edge. Luego, los aplausos. Luego, el inicio de otro tema y una voz, rarísima y a la vez familiar: algo así como un Sting con ronquera, mezclado con el "gangoseo" de un Otis Redding o de un Roland Gift, el cantante de los recordados Fine Young Cannibals. Cabe agregar otro nombre a la lista: Steve Winwood, menos reconocido que muchos de sus compatriotas de la época del "british blues" pero tan influyente como otros - y reconocido por el mismísimo Clapton como tal.

A partir de ahí el recorrido fue directo, vía internet, YouTube y allmusic guide. Para mi absoluta sorpresa, este muchacho Mayer había iniciado su carrera unos nueve años atrás en calidad de "cantautor acústico", con un hábil manejo de la guitarra y empleo de sorprendentes "acordes jazzeros". Pero de a poco, el pibe fue afilando sus garras.

El vuelco se produce en 2005 cuando forma junto al bajista Pino Palladino y el baterista Steve Jordan, el "John Mayer Trio". Y ahí sí, parece que Johnny dio con la "fórmula", incorporando combustible pesado - léase rock'n' roll 'n' blues - a su ya sólida reputación como "songwriter"

Resultó que el tema cuyos últimos compases había escuchado se titula "Belief", resultó que - a juzgar por los comentarios - dice algunas cosillas polémicas en la letra - o quizás sea simplemente que J.M. "expresa una postura", algo que siempre va a generar polémicas. Resultó que el video está (cómo no) en YouTube:

El veterano de la guitarra slide aparentemente NO ES David Gilmour, sino Robbie McIntosh. Qué importa. Si esto no es una interpretación poderosa de un tema extraordinario, entonces no sé qué es. Lo qué sí sé es que no pienso perder de vista a este pibe, Johnny... y no precisamente porque sea un "carilindo".

Más información en http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=11:kifqxqrkldfe

Andy Summers: "One train later"

2008-09-25T08:59:00.000-07:00

LA MÚSICA PERMANECE

Abundan actualmente las biografías de las "estrellas del rock", generalmente escritas por periodistas más o menos profesionales o incluso por meros fanáticos que logran consagrar su devoción al ídolo de turno mediante la publicación de su "esbozo" biográfico. Menos frecuente es que los músicos de rock tomen la pluma y desgranen sus vivencias personales para compartirlas con un público lector. Más raro aún es que un músico de rock logre relatar su vida de forma amena, apasionante y talentosa. "One train Later", el ensayo autobiográfico de Andy Summers, publicado en español con el título "EL tren que no perdí" (Global Rythm Press. Trad. Carlos Abreu) aparece como una rara joya que puede disfrutarse en todo sentido, plena de humor, sabiduría de carretera y de biblioteca y años y años de incesante búsqueda musical.

El libro es presentado como un largo y meditativo "flashback", previo al último concierto de Police en el Shea Stadium en 1983. La infancia y la adolescencia de Summers resultarán familiares para cualquiera, con sus ilusiones, sus juegos, sus inesperados y a veces siniestros descubrimientos sobre el mundo "adulto" que lo rodea. Y por supuesto, el primer encuentro con la guitarra, las tempranas influencias y búsquedas musicales y su firme determinación de distanciarse todo lo posible de cuanto pudiera acercarse a un cliché musical. Summers habla de Eric Clapton y de Jimi Hendrix con admiración y afecto, pero deja muy clara su decisión de tomar distancia de la autopista musical que ambos recorrían. Sin ningún atisbo de pedantería o suficiencia, Andy busca a sus mentores entre la gente del jazz: Miles Davies, John Coltrane, Wes Montgomery, Kenny Burrell... extrañas influencias para quien terminaría siendo el guitarrista de lo que originalmente era un proyecto de grupo "punk".

Los míticos "años sesenta", el "verano de amor", el "hippismo", el "flower-power" y cómo no, las drogas y el LSD aparecen en el relato de Summers, que retrata la época como el fotógrafo que es, con una notable lucidez que le impide caer en falsas idealizaciones y mostrándonos las facetas tontas, absurdas, banales y oscuras del fenómeno; sin renegar por ello de que efectivamente "hubo un tiempo que fue hermoso".

En los 70' Andy se convierte en una figura al principio errante y luego solicitada en el mundillo impreciso de los "sesionistas", siempre con la inquietud de que en "alguna parte" debe estar lo que busca. Y luego, en el último tercio del libro, empieza LA HISTORIA, luego de su encuentro con Stewart Copeland y por supuesto, Sting. El tren al que alude el título es real y a su vez una metáfora: si bien los músicos ya se habían conocido e incluso tocado juntos en varias ocasiones, Summers atribuye a ese encuentro en particular con Copeland en el andén del subte el momento en que el Destino realizó el viraje.

A estas alturas, a nadie sorprende confirmar que efectivamente el ego de Sting alcanzó proporciones desmesuradas y que The Police fue, además de muchas cosas, su trampolín personal hacia el éxito. Pero Andy relata todo con la calma y la mesura de un veterano de guerra cuyas heridas ya no sangran. Más dolorosa que la batalla contra Sting resultó para él la separación de su mujer y su hija, aunque luego, como un increíble "happy end", ambos se reconcilian y vuelven a reunirse.

¿Logró el guitarrista Andy Summers alcanzar aquello que buscaba? Cedámosle la palabra - el momento es aquel en que graba la inconfundible, emblemática guitarra de "Every breath you take":

"Con esta frase hago realidad un sueño que puede que haya albergado desde que agarré por primera vez una guitarra cuando era un adolescente: hacer algo, por lo menos una vez en la vida, que dé la vuelta al mundo, crear una frase que sea tocada por guitarristas en cualquier parte... ¿Llegas a superarlo realmente alguna vez? Puede que no y puede que sea éste el punto donde debería acabar la historia, conmigo aquí de pie, sonriendo como un idiota, sintiéndome un héroe y sencillamente feliz por haber gustado."

La historia, desde luego, no termina aquí. Police se ha reunido recientemente y aún con el paso del tiempo, el buen vino se ha añejado bien. Cada pequeña cosa que Andy hace es mágica, no hay ninguna duda; y es un gusto comprobar que su habilidad, su talento y su sinceridad alcanzan también a su palabra escrita.

El libro cierra con estas frases:

"En la música, los instantes más intensos se producen cuando conectas con los demás músicos, cuando vuelas, cuando acaricias el espíritu de las notas y el público está allí contigo. Sting, Stewart y yo vivimos momentos como esos muchas veces. La música permanece."

EL FUZZ

2008-09-22T12:24:00.000-07:00

Una pregunta interesante: ¿cuándo comenzó la asociación de ideas "guitarra eléctrica=ruido"? Al fin y al cabo, gente como Charlie Christian o T-Bone Walker, pioneros del instrumento, no hacían mucho más "ruido" con sus guitarras que una sección de vientos de una big-band - en realidad, se me ocurre que en cuanto a decibeles estaban en clara desventaja. Probablemente, cuándo no, la culpa fue de los Beatles, pero nadie pensó que en realidad el "ruido" lo hacía el público, por lo cual a los músicos no les quedaba otra que subir el volumen de sus amplificadores... Como fuera, hubo un momento en que los guitarristas se dieron cuenta de que un sonido "distorsionado" saliendo de los parlantes era particularmente efectivo, sobre todo cuando se trataba de interpretar un solo. Se atribuye a Eric Clapton el mérito de haber descubierto la combinación "Gibson Les Paul + Marshall al mango", para sacar un aullido como no se había escuchado antes - confiérase el álbum de los Bluesbreakers conocido como el "Beano". Poco más o menos por aquellos años, arriesgados experimentadores que se adentraban en el nuevo universo de los transistores inventaron unos aparatejos diabólicos que hacían que una guitarra sonara "sucia" y "eléctrica" cien por cien. Uno de estos aparatejos, tal vez el pedal de efectos más salvaje, primitivo y rudo jamás creado, sería conocido por el onomatopéyico nombre de "fuzz".

Fue la Gibson la empresa que dio el mal paso con el "Maestro", un pedal que, por increíble que parezca, en un principio estaba diseñado como un aditamento para las grabaciones... para los bajistas de jazz (!!?) (información suministrada por la revista "Guitarrista"). Desde luego, el riff de "Satisfaction" de los Stones le dio carta de identidad al fuzz. Es un sonido al borde de lo hiriente, de lo desagradable, ajeno a cualquier tipo de sutileza. Es quizás el Primer Gran Sonido distintivo del rock.

Mi experiencia con un fuzz (un DOD FX52, muy alabado por la "Guitar Player" en un artículo dedicado a la "distorsión") es relativamente reciente - siempre me simpatizó más el sonido más moderado y manejable del "overdrive", algo así como el lado "fino" de la distorsión. Desde luego, el fuzz es un pedal muy temperamental y no se anda con vueltas. No admite términos medios y no pacta con el músico. Se impone "de pesado" en el sonido de la guitarra. Las notas sonarán angulares, rechinantes.

Pero, amigos, qué sensación de PODER en la punta de los dedos, qué proyección del sonido que parece lanzarse directamente desde la cuerda a los tímpanos - casi como si se "salteara" el amplificador. Prueben sus riff de los sesenta favoritos: "You really got me" o "Sunshine of your love", por ejemplo y quedarán asombrados - uno casi se siente Dave Davies o el mismísimo Eric...

Hay una mitología que todos los guitarristas conocemos acerca de los "fuzz con transistores de germanio", supuestamente muy superiores a los "transistores de silicio". No sé hasta dónde hay que creer todo esto. Ciertamente, ningún pedal es una réplica exacta de sí mismo (un "clon") y es innegable que habrá sutiles diferencias incluso entre modelos idénticos de la misma marca. En definitiva, lo único aconsejable en estos casos es ver lo que hay disponible en plaza, lo que hay disponible en nuestras billeteras y salir a la búsqueda de ése fuzz que está allí esperándonos... para ayudarnos a hacer todo el ruido posible, desde luego.

SNOWY WHITE

2008-09-11T08:30:00.000-07:00

AVE DEL PARAÍSO

Muy a menudo cada vez que uno cree que ya no le queda más nada por descubrir en el mundo de la guitarra eléctrica, aparece bruscamente una revelación. No necesariamente algún talento nuevo o emergente (lo cual sería algo bastante normal) sino una figura con una trayectoria bastante destacada y extensa de la cual nunca habíamos oído absolutamente nada. Ahora, "eso" es una revelación, algo que casi siempre me deja con la sensación de fastidio y la pregunta "¿cómo c*r*j* no conocía yo a este tipo?" Prueba de lo lejos que este rincón del planeta está del mundo, por si hacía falta, al menos en lo que se refiere a nivel musical. Bien, probablemente no he descubierto América, pero recientemente "descubrí" a "Snowy" White.

Cualquiera que se cuelgue una Les Paul dorada tiene que tener, a mi juicio, cierto nivel, cierta categoría como intérprete, para atreverse a lucir un instrumento de tal magnitud. Slash, qué duda cabe, es un ejemplo notorio, aunque sin negar que el tipo "toca", hace surgir el lado más rudo de su elegante instrumento. Ahora, cuando gracias a Internet y a Youtube vi a Snowy White interpretando "Bird of Paradise", sentí que de alguna forma el toque de este individuo encajaba admirablemente con esa Les Paul. Juzguen por sí mismos:

El "árbol genealógico" de Snowy como intérprete incluye,evidentemente,a B.B. King y a Peter Green. Por mi parte, su sonido me hizo evocar a David Gilmour y su técnica a Mark Knopfler (hay por ahí otro video en el que toca "con los dedos" -"fingerpicking" - al mejor estilo de Mark). Por ahí anda también algo de su contemporáneo Gary Moore, otro discípulo de Peter Green. Es curioso comprobar como todas las "ramas" se entrecruzan: Snowy actuó como miembro de "Thin Lizzy" - por donde también pasó Moore - y participó junto a Roger Waters en el concierto de "The Wall" ante las ruinas del Muro de Berlín en 1990.

Probablemente para algunos será fácil desdeñar a Snowy como un intérprete de segunda fila, un copista meloso de los duros "bluesmen" originales. Creo que de ser así se estaría cometiendo un lamentable error y una grave injusticia. A pesar de lo bien poco que se sabe de este indviduo por estas playas, vale la pena apreciar su fineza y buen gusto a la hora de hacer sonar su guitarra. Casi como una auténtica "ave del paraíso".

JOE BONAMASSA

2008-05-09T06:58:00.000-07:00

CAPO (¿MAFFIOSO?) DEL BLUES

Jocosamente, alguien comentó que si unimos un nombre anglosajón con un apellido italiano, obtenemos el nombre de un mafioso (lo comprobé, por ejemplo, cuando un amigo cuyo apellido es de notorio origen italiano bautizó a su primogénito con el nombre de Brian). No sabemos si Joseph "Joe" Bonamasssa mantiene algún vínculo con la "onorata societá", pero lo cierto es que si este tipo manejara una metralleta con el mismo gusto con que maneja la guitarra, seguramente sería uno de los "killers" más solicitados del bajo mundo. Bromas aparte, en primer lugar el agradecimiento - como corresponde - al siempre presente amigo Bluesman por descubrirme a este muchacho Joe (Pepe, para los amigos sudacas ;) ;). En segundo lugar, acá está, vía YouTube, parte de una actuación de J.B. Realmente estremecedor. Vean:

Es casi una obsesión patológica de parte de nosotros, comentaristas (profesionales y meros aficionados como quien esto escribe) hablar de las "influencias" que creemos detectar cada vez que escuchamos por primera vez a un guitarrista que no conocíamos. Esto es un arma de doble filo: por un lado, le otorga credencial de "creíble" al presunto nuevo "guitar hero"; por otro, es casi como restarle mérito al trabajo personal del individuo en cuestión - "Se parece a..." En el caso específico de los guitarristas de blues - y más específicamente, del blues "eléctrico" - dado que el lenguaje del género está ya asentado sobre bases de larga tradición, las "referencias" parecen reiterarse en forma inevitable. Para el caso, parece obligado hablar de pioneros como Muddy Waters o Elmore James y luego dar un salto hacia la crema del "british blues" - con Clapton y Green a la cabeza. En lo personal, creo escuchar algún eco de Gary Moore combinado con algo de David Gilmour en el "toque" de este muchacho Joe. Le comentaba a Bluesman acerca del "vibrato" que tiene el tipo y el "feeling" de la voz. En resumen, un bluesero de esos que tocan y cantan "de verdad", de esos que siempre vale la pena conocer. Como es habitual, hasta donde he podido comprobar, Ud. NO PODRÁ encontrar nada de la discografía de Joe en ninguna de las buenas casas del ramo de Montevideo. Si alguien tiene información que contradiga esta apreciación, será más que bienvenida.

DANNY CEDRONE, EL DESCONOCIDO

2008-04-14T11:59:00.000-07:00

EL PRIMER "GUITAR HERO" DEL ROCK'N'ROLL

"One, Two, Three O'clock, Four O'clock rock,Five, Six, Seven O'clock, Eight O'clock rock.Nine, Ten, Eleven O'clock, Twelve O'clock rock,We're gonna rock around the clock tonight." Éstas son las palabras que inauguraron "oficialmente" el Universo del r'n'r - en sí mismo, un intento (exitoso) de parte de músicos blancos estadounidenses de country & western, de tocar algo parecido al rythm & blues de los músicos negros. Para el caso, los músicos blancos que copiaron a los músicos negros fueron los "Comets" y su líder, Bill Haley. Para el caso, la canción fue "Rock Around The Clock".

Supongo que, excepto para los más y mejor informados de la época, que no debieron ser muchos, Bill Haley debe haber pasado además, para quienes sólo podían escuchar sus discos, por un extraordinario guitarrista que se despachaba con un increíble y repiqueteante solo en la mitad del tema. Doy fe de que ésto fue lo que me ocurrió hace muchos años, cuando oí por primera vez "Rock Around..." Había visto además una foto del gordito Bill empuñando una enorme guitarra Gibson, por lo cual parecía lógico deducir que Mr. Haley sacaba chispas del diapasón.

Naturalmente, ello no era así - Haley simplemente se encargaba de la rítmica, lo que no es menor. Pero el extraordinario solo de guitarra de "Rock..." era obra de un guitarrista que ha permanecido anónimo durante mucho tiempo. En rigor, no fue sino hasta el advenimiento de Internet cuando finalmente llegué a identificar a este desconocido ilustre, precursor de toda una genealogía posterior de "héroes de la guitarra". Un desconocido a quien nadie rinde tributo hoy día, a pesar de haber marcado con una impronta inconfundible el sonido de guitarra del primer rock'n'roll - no he encontrado su nombre en ninguna enciclopedia de rock que haya consultado. Lo cual es, cuando menos, injusto.

Su nombre era Danny Cedrone. Su aporte más notorio fue ese solo monumental, fundacional, en 1956. Su recompensa fueron U$S 21 que cobró por intervenir en esa grabación (Cedrone era un sesionista de estudio, no un integrante de los "Comets"). Y su destino fue sufrir una caída mortal a menos de un mes de aquella sesión. Nunca conoció el éxito. Casi nadie recuerda hoy su nombre.

Pero fue el primero.

Más información acerca de Danny Cedrone en:

http://www.the-jime.dk/Rockabilly_Guitar/Rock_Around_the_Clock_Solo.htm

En AMG:
http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&token=ADFEAEE47F1BDF4FAE7020C9803048C8BA77FB29C742F281116E495AD1A9026DAC5E70B254DD95C9AEFB73AB7BAFFF26E85B0FD9CAE65CF8D5764C40&sql=11:0xfuxq8gld0e~T1

Bugs Henderson

2008-03-25T12:34:00.000-07:00

"QUIZÁS, SÓLO QUIZÁS, EL MÁS GRANDE DE TODOS"

"Maybe, just maybe, the greatest of all". Así se publicitaba Bugs Henderson en un número de "Guitar Player" a principios de la década de 1990. Ése "quizás, sólo quizás..." tan finamente irónico, junto a la fotografía de un veterano de pelo blanco y mirada socarrona que empuñaba una inconfundible Paul Reed Smith, no podía menos que llamar mi atención. ¿Quién era este tipo apodado "Bugs"? ¿Y qué argumentos esgrimía para proclamarse "sólo quizás" el más grande de todos los guitarristas? - aún cuando el reclamo ya estaba más que gastado, no dejaba de ser eficaz.

Hasta el advenimiento de Internet - y el descubrimiento de YouTube - no me fue posible satisfacer mi curiosidad acerca de este individuo.Aquí lo vemos junto a su banda, los Shuffle Kings, que incluye también a un guitarrista llamado Kirby Kelly, de interesante desempeño:

Es inevitable, ante cualquier interpretación de blues eléctrico, referirse a los grandes que colocaron los primeros ladrillos del género. Viendo este clip de Bugs y sus muchachos, los nombres de Elmore James y de Muddy Waters vienen en seguida a la mente - y mi amigo Bluesman, que siempre está atento, seguramente agregará un par de referencias más ;) No es ningún pecado, ciertamente, asociar a Mr. Henderson con estos morochos ilustres - como bien dijo alguien, el blues tiene sus códigos musicales establecidos, si no, ya deja de ser blues.

Muy bueno el dúo entre Bugs y Kelly: los tipos tocan con indudable gusto, intercalando llamativos fraseos con clásicos "slides" y "bendings", en una combinación incendiara. Y no dejen de apreciar a la gordita de la batería - Linda Warning - que se divierte aparte llevando el "groove" de todo el asunto.

Para los interesados en la biografía de Bugs, remitirse a:

http://www.bugshenderson.com/bh/bugsbio.asp

¿El más grande de todos? Hmmm... quizás... sólo quizás.

UN TALENTO QUE NO CONOCÍAMOS...

2008-03-10T10:49:00.000-07:00

Atendiendo a la solicitud del amigo Bluesman, quiero presentar a los lectores de este blog a un notable guitarrista de blues & rock de quien hasta ahora no tenía noticia.

Este señor se llama T. ALBERT LLOYD. Lo "descubrí" - si se puede decir - navegando por las páginas de "YouTube", donde se pueden encontrar varios videos de este artista. Vean este, por ejemplo:

Aquí hay otra página en la que pueden encontrar más información sobre T.A.L. y su banda, los Kingpins:

http://www.talbertlloydandthekingpins.com/index.html

Como ven, el tipo tiene un currículum impresionante.

Si alguien dispone de más datos o consigue algún material de este individuo, se agradece desde ya la información.

Saludos a todos.

Wes Montgomery

2008-02-15T06:27:00.000-08:00

LA GUITARRA SONRIENTE DEL JAZZ

Sabía que tenía que escuchar a Wes Montgomery. Cuando hace alrededor de diez años me acerqué por primera vez en forma consciente al jazz, debí buscar un referente. Entre aquel frenesí de saxos nerviosos, trompetas chirriantes y bajos acelerados, sabía que debía existir un "sonido" de guitarra que hablara con voz propia.

Así que me compré un ejemplar - el único que he visto en Montevideo hasta ahora - de "The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery".

Naturalmente, al principio no entendí nada. Pero seguí escuchando. El riff de bajo caracterítsico de "Four on Six" fue lo primero que captó mi atención... hasta que, tras repetidas escuchas, logré asimilar "ese" sonido de guitarra.

Las octavas, claro. La pulsación del pulgar de Wes sobre esas cuerdas. La Gibson "cantando" con voz su grave ante el empuje de aquel dedo... y poco a poco, fue surgiendo otro elemento, quizás "el elemento" principal de aquella voz.

Sencillamente, la melodía.

Esas cascadas de notas tenían una cualidad melódica que pocas veces he vuelto a encontrar en otros intérpretes. Y además, como descubriría posteriormente, tenían personalidad. Cada fraseo era tan característico de Wes que, a pesar de su aparente sencillez, nadie sería capaz de reproducirlos (no digo que no se puedan "tocar igual", eso es otra cosa.)

Luego pude ver a Wes en acción, a través del video "Legends of Jazz Guitar". La imagen serena de aquel hombre negro, de nariz prominente y bigotito fino, al comando de aquella guitarra verdaderamente increíble, transmitía el simple placer de aquel que sabe que, más que hacer múisca, está dejando fluir su alma a través de los dedos. Dejando que esa alma hable por sí sola a través de la guitarra. "Aquí estoy, esto es lo que tengo para dar", parece decirnos Wes sin palabras. Y la riqueza intangible de su sonido sólo es comparable a la tranquilidad y modestia con que el músico nos invitaba a compartir su talento.

Compartir. Otra palabra clave. Wes era de esos músicos que en vez de exhibir su pirotecnia en las seis cuerdas desde su pedestal privado, invitan amistosamente al oyente a acercarse a escuchar. Uno siente que puede acercarse con confianza, que no va a salir defraudado del encuentro.

Aquí vemos a Wes interpretando "Round Midnight", el clásico de Thelonious Monk: una maravilla.

Wes, aunque no tenía una educación musical "formal", poseía la técnica, el "toque" y el amor por lo que tocaba. Y eso se nota.

FREDDIE KING

2007-08-24T12:54:00.000-07:00

UN GIGANTE DEL BLUES

Cuando escuché por primera vez a Freddie King me di cuenta de por qué Eric Clapton lo nombraba como a uno de sus grandes maestros. No solamente en lo que respecta a la técnica de interpretación en la guitarra. Todo el feel de la voz de Clapton provenía directamente de este enorme texano, sudoroso y sonriente.

Hoy en día uno puede sonreír al contemplar el video del programa "The!!!!!Beat" en el que Freddie presentaba su blues poderoso y torrencial en un entorno propio de cualquier concurso de teen-pop de cuarta. Pero nadie podía dejar de apreciar, aún en esas condiciones ridículas, la maestría de King como guitarrista, manejando su Gibson roja con sus manazas, "picando" las cuerdas con los dedos de la izquierda armados con "uñeros", mientras la derecha proporcionaba el vibrato y los "bendings" más calientes que podían oírse en aquel momento. El blues, admitámoslo, puede llegar a sonar a veces monótono y aburrido. No así en el caso de Freddie King. Menos sutil y refinado que el de B.B., mucho más elaborado que el de Albert, el blues de Freddie King parecía hallarse en el centro exacto de una tormenta eléctrica, en el punto justo de ebullición.

Hay otra grabación (Dallas, 1973) en la que se puede apreciar a Freddie en toda su magnitud. Acompañado por una banda de jóvenes y talentosos músicos, el "veterano" Freddie se sumerge en el "funk" sin perder nada de su maestría de bluesman. Era la combinación perfecta : el "cuerpo" funky de aquellos jóvenes - provenientes de la "vanguardia" de la música del momento - y el "alma" blues de Freddie King, todo unido en un sonido vital, fresco, arrollador. Aquí tenemos un fragmento de esta filmación increíble:

No tuvo continuidad: Freddie King moriría poco después de aquella presentación, en 1976. El blues ya no volvería a sonar igual.

MIS CINCO DISCOS IMPRESCINDIBLES

2007-07-20T09:59:00.000-07:00

Todos tenemos nuestro Top 5, Top 10, Top 100... Estos son cinco discos que significaron para mí el descubrimiento de la ecuación mágica : CP+SGA=¡W! ("canciones perfectas"+"sonidos de guitarra asombrosos"="¡WOW!"), que aún es para mí la clave del universo "guitarreléctrico" (perdonen, pero la verdad es que la palabreja me gusta ;).
Por estricto orden de aparición:

1) THE BEATLES:
"Rubber Soul"
Esta fue mi primera contribución a la colección de vinilos de los Beatles comenzada por mi padre. Ya había escuchado buena parte de la discografía de los cuatro "liverpudlians", llegando incluso a "Revolver" y "The Beatles" (el "Álbum Blanco"), cuyas estridencias me habían desconcertado bastante. Claro, me faltaba el "disco puente", el álbum "de la transición" entre los Beatles de la "beatlemanía" y los Beatles de 1967 en adelante. Ése disco es "Rubber Soul". Me ha sorprendido muchas veces encontrarme con ciertos comentarios que no le daban demasiada trascendencia a este trabajo, considerándolo como una especie de "disco secundario" de los Beatles; algo similar a lo que pasa con "Beatles for sale", por ejemplo. Yo les diría que vuelvan a escucharlo - pueden prescindir de "Michelle", si ya los tiene hartos. Pero no dejen de lado "Drive my car", "Norwegian wood", "I'm looking through you", "Wait" y dos de las más hermosas y melancólicas baladas jamás escritas por... John Lennon - por supuesto, "In my life" y "Girl". Paul McC. cargará por siempre con el estigma de "Yesterday", pero cuando quería, John era capaz de batirlo en su propio terreno. "The word" es tan reiterativa y tan "disco" que me ha conquistado desde la primera vez que la escuché... en versión "disco". Y no olvidemos "If I needed someone", pequeña obra maestra del Guitarrista-Menos-Valorado-de-Todos-los-Tiempos (George). Todo ello junto con los más increíbles sonidos de guitarra que se podían conseguir en aquel momento, convertidos en intemporales gracias a la astucia de los cuatro involucrados mas su cómplice habitual, Sir George Martin.

2) DIRE STRAITS:
"Dire Straits"
A mediados de los años 80' (del siglo XX) me habían llegado ciertos rumores de un guitarrista llamado Mark Knopfler, de una banda llamada Dire Straits (que luego me enteré que significaba algo así como "Horribles Aprietos", horrible nombre si los hay) y de una canción mítica llamda "Sultanes del Swing", de la que había logrado escuchar fugazmente algunos fragmentos en la radio. Hasta que un día logré hacerme con una copia del vinilo titulado lacónicamente con el nombre del grupo (luego habría ediciones que utilizarían como título/llamador el del tema estrella de la placa). Creo que con este disco descubrí lo qué significaba la famosa "técnica" de la interpretación de guitarra - rapidez, precisión, limpieza de sonido - puesta al servicio de la música y no del intérprete. Por no hablar de las rítmicas saltarinas y rasgueantes que proveían la base para una serie de temas que aún hoy no dejan de asombrame por su coherencia y madurez. No hay más nada que agregar a lo que es "Sultans..." (el tema) pero hay que escuchar "Down to the waterline" (con una de las intros más espectaculares y sutiles al mismo tiempo que puedo recordar), "Six blade knife", "Walking in the wild West End" y la subvalorada "Lions".

3) THE POLICE:
"Reggatta de Blanc"
Todavía estoy tratando de lograr el sonido de la guitarra de Andy Summers en "Message in a bottle" y en "Bring on the night". Algún día espero lograrlo. Como me ha pasado varias veces, empecé a conocer a The Police al final de su carrera, cuando ganaron el "Grammy" a la mejor canción con "Every breath you take" - una canción tan perfecta que siempre digo que me gustaría haberla escrito. Pero en cuanto a los SGA de la ecuación, los encontré en "Reggatta..." Por aquella época los guitarristas empezábamos a formar nuestro arsenal de efectos : chorus, compresión, delay... No es exagerado decir que la mayoría de nosotros seguía el camino de Mr. Summers, mientras que por su parte los bateristas querían a toda costa ser Stewart Copeland. En cuanto a Sting, nadie podía jamás ser como él, cantar como él, componer como él... ni tener el ego de él. De escucha obligatoria : "Bed's too big without you", el mejor reggae jamás creado fuera de Jamaica.

4) THE SMITHS:
"The Queen is Dead"
Si alguna vez la guitarra rímica sonó tan imponente y majestuosa como la guitarra solista, es en este disco. El rasgueo de Johnny Marr, a veces frenético ("The Queen...", "Bigmouth strikes again"), a veces amplio y "paisajístico" ("The boy with the thorn in his side"), junto con la base ajustadísima de Mike Joyce y Andy Rourke conforman el soporte perfecto para la inefable voz de Morrissey. Johnny Marr aparece como un extraordinario arreglista de canciones, superponiendo capas de guitarra y agregando a veces sutiles toques "clásicos", como el bellísimo fraseo de cuerdas de "There's a light that never goes out", la canción definitiva de los Smiths para el que suscribe. No olvidar además el sombrío dramatismo de "I know it's over" o el desenfado saltarín de "Vicar in a tutu". Mi agradecimiento eterno a C.P. quien me "descubrió" a esta banda a través de la vieja "Radiomundo" - el tema era el axiomático "Some girls are bigger than others", con el que siempre nos mostramos absolutamente de acuerdo.

5) U2:
"Achtung Baby"
Otra vez a mediados de los 80' (del siglo XX), habíamos conocido a U2 a través de himnos como "Sunday, bloody sunday" y un poco después llegarían "With or without you" y el film "Rattle & Hum". The Edge nos había dado otras ideas para hacer sonar una guitarra rítmica, y la voz de Bono Vox era la de un Frank Sinatra del rock elevándose a las cimas del Himalaya. Y entonces, luego de algunos años de ausencia, U2 reapareció con "Achtung Baby". Increíble. En aquel momento se escuchaba "el sonido de Manchester", con guitarras zeppelineanas, baterías dance y vocalizaciones somnolientas. Bono & Co. repescaron algunos de esos elementos y los incorporaron en una fórmula explosiva que encontraría su pico máximo en la "Zoo TV Tour" (hay que ver sí o sí el DVD del recital en Sidney de 1993 para creerlo.) Edge desplegaba una artillería de sonidos apocalípticos, equilibrados por sus tradicionales "texturas" con delay, mientras que la batería de Larry Mullen Jr. tronaba deliciosamente, acompañada por el bajo elemental y preciso de Adam Clayton. Y Bono... Bono era The Fly, McPhisto y algún otro, dando rienda suelta a su esquizofrenia de showman sin dejar de ser "la" voz. "Achtung Baby" fue un sacudón inesperado, inquietante por lo sombrío de su factura y por provenir además de uno de los grupos más diáfanos que jamás habíamos escuchado. Pero ahí, en medio de la tormenta eléctica, están las canciones para demostrarnos que U2, oscuro y distorsionado, continuaba siendo U2: "Zoo station", "The Fly", "Till the end of the world", y una de mis inexplicables favoritas, "Ultraviolet (Light my way)".

INTRO : AFINANDO...

2007-07-13T07:38:00.000-07:00

La guitarra eléctrica ha sido mi instrumento por casi tres décadas. Juntos hemos incursionado por distintos estilos musicales, desde el pop hasta el blues y el rock'n'roll. En todos estos años ha sido una experiencia emocionante descubrir los diversos lenguajes que este mágico artefacto es capaz de hablar y al mismo tiempo, tratar de descubrir en él una voz propia.
¿Qué más se puede decir acerca de la guitarra eléctrica? Veamos algunas opiniones. Para el cineasta Luis Buñuel la guitarra eléctrica era un instrumento "inventado por el Diablo o por algún enemigo de la humanidad", mientras que el maestro Andrés Segovia sostenía que mediante la amplificación se destruía "la belleza de la interpretación de la guitarra". En el otro extremo, Frank Zappa se limitaba a reflexionar: "El hedor de una guitarra eléctrica sonando bien fuerte... ésa es mi idea de pasarlo bien". Nada podría ser más expresivo.
En medio de tales controversias, la guitarra eléctrica ya ha cumplido sus sesenta y tantos años de vida, desde los esfuerzos pioneros de Adolph Rickenbacker y su "sartén" (la primera guitarra "hawaiana" amplificada) hasta la elegancia y sofisticación de los diseños de Paul Reed Smith o Hartley Peavey a finales del siglo XX. Es algo extraño que la evolución de la guitarra eléctrica haya seguido un recorrido aparentemente circular, y que los instrumentos creados en los años 1950 por los gigantes Fender y Gibson aún continúen siendo el estandard de calidad con el cual se miden las guitarras de hoy día.
En este espacio, la intención es establecer un diálogo de amigos entre toda la comunidad "guitarreléctrica", especialmente entre los músicos de mi país, Uruguay (un territorio quizás algo exótico para hablar de guitarras eléctricas, pero que cuenta con un sorprendente número de fanáticos cultores del instrumento). Hablaremos de guitarras y guitarristas, de discos y canciones, de amplificadores, efectos, micrófonos, cuerdas... y por qué no, de cables blindados ;)
Saludos a todos y bienvenidos.